В Национальном музее современного искусства Кореи (MMCA) в Сеуле открыта крупная персональная выставка Do Ho Suh, которая собирает вместе более 500 работ художника, созданных за четыре десятилетия. В экспозицию вошли рисунки, скульптуры, видео и инсталляции, а сам показ выстроен как последовательный обзор практики, в которой личный опыт переездов и смены адресов постепенно превращается в более широкое исследование того, как человек населяет пространство и как сохраняет его в памяти.
Маршрут по выставке
Экспозиция занимает Galleries 3, 4 и 5, общие пространства музея, MMCA Studio и Seoul Box. Такое распределение делает выставку не набором отдельных залов, а цельным пространственным маршрутом, в котором ранние и поздние произведения, домашние интерьеры, рисунки и телесные формы могут сосуществовать и перекликаться. Выставка будет открыта до 9 февраля 2027 года, а в Seoul Box также запланирована отдельная презентация работы Apartment A, Unit 2, Corridor, and Staircase, 348 West 22nd Street, New York, NY 10011, USA, которая пройдет с 18 декабря 2026 года по 28 марта 2027 года.
От детских опытов к языку переносимого пространства
Путь начинается еще до профессиональной карьеры художника — в разделе Seed Bank, размещенном в коридоре, ведущем к залам. Здесь показаны детские рисунки и скульптуры, в том числе деревянные резные фигурки морских существ, созданные во дворе ханока, где рос Suh, а также его университетский дипломный проект, ранние инсталляции и опыты, сделанные до отъезда из Кореи в США. Эти материалы важны тем, что демонстрируют: интерес художника к границе между объектом и пространством возник задолго до его известных текстильных архитектур. Уже в этих ранних вещах заметно движение между двумя и тремя измерениями, а значит, последующие темы порогов, комнат, тел и структур вырастают из длительного исследования того, как предмет занимает пространство. 
У входа в Gallery 3 размещена Small Gate (2017) — реконструкция ворот ханока в Seongbuk-dong, где Suh когда-то жил. Работа буквально открывает путь в экспозицию, но одновременно задает ее главный мотив: переход между местами и временами. Далее показано около 200 рисунков, включая произведения, созданные в сотрудничестве с сингапурской мастерской STPI. С 2009 года художник развивает технику на основе gelatin tissue и handmade paper, в который внедряются нити; благодаря этому линия получает материальную глубину, а рисунок выходит за пределы обычной плоскости листа.
Следы дома и коллективная память
Gallery 4 сосредоточена на серии Rubbing/Loving, где фиксация архитектуры становится формой воспоминания. Suh прижимает Hanji и бумагу к поверхностям мест, в которых жил, или зданий, исчезающих из городской среды, а затем растирает их графитом и цветным карандашом, получая физический отпечаток пространства. Название серии связано с фонетическим сходством корейских слов, означающих «rubbing» и «loving», что соединяет действие снятия оттиска с эмоциональной привязанностью к месту. В работе Rubbing/Loving: Seoul Home (2013–2022) художник сам описывает проект как автопортрет себя и своего отца, а Rubbing/Loving: Company Housing of Gwangju Theater (2012) расширяет тот же метод за пределы личной истории: над ним Suh работал вместе с командой, которая обводила и протирала поверхности здания, превращая коллективный труд в архив исчезающей общей истории.
В Gallery 5 собраны произведения, наиболее тесно связанные с исследованием домашнего пространства. Perfect Home: London, Horsham, New York, Berlin, Providence, Seoul (2024) воссоздает нынешнюю лондонскую квартиру художника и включает архитектурные детали из многих его прежних домов — дверные ручки, розетки и выключатели. Так дом предстает не как единое фиксированное место, а как накопленный опыт нескольких адресов. Рядом показан The Bridge Project, начатый в 1999 году как воображаемая связь между Сеулом и Нью-Йорком, а затем расширенный до Лондона. Над ним Suh работал вместе с архитекторами, философами, антропологами и инженерами; в этом проекте тема дома переходит к более широким вопросам глобальной связи, сосуществования, общества и среды.
Масштаб, коллектив и тело
Здесь же представлены Who Am We? (2000) и Floor (1997–2000). Первая работа заполняет 15-метровое пространство крошечными портретами, полученными из школьных альбомов и других источников: издали они складываются в узор, а вблизи позволяют рассмотреть отдельные лица. В Floor прозрачная платформа покоится на бесчисленных миниатюрных фигурах, и отношения между индивидуальным и коллективным становятся не абстрактной идеей, а физическим опытом зрителя, который буквально идет по произведению. В этом же ряду стоит Room 516/516-I/516-II (1994–1995), выполненная из muslin и zippers, — ранняя работа, в которой тема пространства уже связана с подвижностью, закрытием и возможностью переносимой архитектуры.
Несты, одежда и новые работы
Выставка завершается за пределами Gallery 5 произведением Nest/s (2024) — 22-метровой инсталляцией, соединяющей архитектурные формы, происходящие из нынешних и бывших домов и студий Suh в Сеуле, Нью-Йорке, Лондоне, Берлине и других городах. Вместо одной реальной постройки здесь возникает непрерывная последовательность пространств, не привязанная ни к одному конкретному зданию. Посетители могут пройти через эту составную структуру, и в результате набор запомненных адресов превращается в общее пространственное переживание. Для работы указаны материалы Polyester and stainless steel, а также размер 410.1 x 2,148.7 x 375.4 cm.
В MMCA Studio рядом с миниатюрными моделями крупных инсталляций показываются произведения, связанные с семьей и отцовством, включая дебютирующую здесь Memory of Love (2026). Для нее карманы, вырезанные из семейной одежды, закреплены изнутри на собственном пальто художника и хранят дорогие предметы близко к телу. Эта работа сжимает несколько сквозных тем практики Suh: одежда становится переносимым вместилищем, вместилище — формой дома, а дом возвращается на тело. Сюда же относится и Memory of Love (collaboration with RE;CODE) (2026), выполненная из wool and nylon clothing и имеющая размер 93 x 45 x 30 cm. В целом выставка показывает, как у Suh дом может исчезать как постройка, но сохраняться как память об опыте проживания в нем, а тело, одежда и архитектура постоянно переходят друг в друга.
Источник: Designboom
