High Line Art представил 62 предложения для седьмого и восьмого выпусков монументальной программы Plinth. Новые комиссии планируется разместить на приподнятой площадке над Tenth Avenue в 2029 и 2030 годах. Хотя до реализации еще несколько лет, обсуждение уже началось: проектные визуализации показывают, как на фоне башен западной части Манхэттена могут появиться гигантские фрукты, фрагментированные тела, светящиеся знаки и фантастические существа.
Plinth был открыт в 2019 году как специальная площадка для крупномасштабного современного искусства на краю High Line, где конструкция выходит восточнее над авеню. С тех пор здесь уже сменились заметные комиссии, среди которых Pamela Rosenkranz с ветвистым розовым Old Tree и Iván Argote с гигантским голубем Dinosaur. Сейчас площадку занимает работа Tuan Andrew Nguyen — каменная скульптура The Light That Shines Through the Universe, которая останется на месте до Fall 2027. Новые предложения, опубликованные High Line Art, заглядывают значительно дальше и формируют онлайн-выставку возможных памятников.
Повседневные предметы как монументы
Среди наиболее узнаваемых проектов — Red Delicious Kathleen Ryan. Художница увеличивает до монументального масштаба остатки надкушенного яблока: блестящая красная оболочка скрывает внутреннюю часть, собранную из абалона, кристаллов и камня. Знакомый образ выброшенного фрукта превращается в нью-йоркский символ, связанный с желанием, потреблением и устойчивой ассоциацией города с Big Apple. 
Ali Cherri также обращается к яблоку как к культурному знаку Нью-Йорка. В проекте Apples in a White Bowl привычный натюрморт превращается в большое белое цементное сосудообразное основание, наполненное непропорционально крупными бронзовыми яблоками. Фрукты показаны в состоянии заметного разложения, а сам образ домашнего изобилия переводится в тему распада и непостоянства. С уровня улицы чаша должна считываться сразу, тогда как при приближении раскрывается содержимое, уязвимое перед временем.
Kelly Akashi предлагает Double Negative — 25-футовую конструкцию из кортеновской стали, в которой две кружевные салфетки переведены в масштаб городской инфраструктуры. Перфорированные формы изгибаются навстречу друг другу и соединяются над головой, образуя открытый проход, через который могут проходить посетители. Узор кружева сохраняет способность пропускать свет и виды на skyline, несмотря на тяжесть ржавеющей стали. Так домашний предмет, связанный с заботой и ручным трудом, становится крупной публичной структурой.
Тело, время и коллективный образ
Laure Prouvost предлагает фрагментированную терраццо-фигуру с семью руками под названием DREAMING OF NO MORE FRONT TEARS. Внутри единого образа собраны отдельные части: одни руки держат клементин, флаг и младенца, другие заканчиваются светящимися стеклянными анемонами. У основания видны небольшие проемы, открывающие интимные сцены внутри большого тела. Скульптура трактует монумент как нечто множественное и проницаемое, объединенное жестами заботы, протеста и связи.
Es Devlin участвует в подборке с проектом A Portrait of the Present. Название продолжает ее недавние исследования коллективного портрета, в том числе в работах, где зрители добавляют свои лица и опыт в меняющийся образ общества. Помещенный на Plinth, проект переносит язык портрета в пространство, которое обычно занято единичными скульптурными объектами, и задает вопрос о том, как памятник может представлять сообщество, живущее в одном и том же настоящем.
Ryan Gander обращается к визуальной логике коммерческих вывесок в Time Piece (for everyone, everywhere, forever). Двусторонние цифровые часы светятся флуоресцентно-желтым, но их показания навсегда зафиксированы на 88:88, тогда как двоеточие продолжает мигать. У основания расположен черный тотем, который циклически выводит 500 высказываний о времени. Скульптура одновременно отмечает прохождение секунд и отказывается сообщать точное время, разделяя переживание времени и систему его измерения.
Материалы, экология и география
Serge Attukwei Clottey предлагает Symbol of Hope — монументальную скульптуру, основанную на желтой канистре Kufuor gallon, которую в Гане часто используют для перевозки и хранения воды. Этот контейнер давно служит основой проекта Afrogallonism, в рамках которого художник превращает выброшенные пластиковые канистры в скульптуры, инсталляции и сшитые поверхности. В увеличенном масштабе над Tenth Avenue предмет переносит в нью-йоркский skyline истории, связанные с доступом к воде, торговлей и повторным использованием материалов.
Bianca Bondi показывает MER — крупный скульптурный сосуд, соединяющий отсылки к морским и наземным средам. По описанию проекта, объект выглядит почти археологическим, словно предмет, сформированный ритуалом или природными силами и поднявшийся среди садов High Line. Его положение между озелененным ландшафтом, открытым воздухом и плотной городской застройкой продолжает интерес художницы к нестабильным экосистемам и материалам, которые постепенно меняются.
Enrico David фокусируется на физическом и эмоциональном истощении в работе Sleepwalker: Honouring the Tired. Проект принимает форму монументальной фигуры, согнувшейся вперед, из которой вырастает светящееся лицо онyxового оттенка. У основания к ней прислонена вторая, меньшая фигура. Вместе они превращают Plinth в место временной поддержки, где усталость и отдых получают масштаб, обычно предназначенный для героических жестов.
История, территория и открытая среда
Kei Imazu обращается к колониальной истории, связывающей Нью-Йорк и Индонезию. Ее предложение Current начинается с соглашения 1667 года, по которому голландцы передали Манхэттен англичанам, сохранив контроль над Run — небольшим островом в Банда-Си, известным производством мускатного ореха. Скульптура проводит линию между двумя территориями, которые редко рассматриваются вместе, и использует положение Plinth в Манхэттене, чтобы напомнить о торговле, ресурсах и колониальных амбициях, сформировавших раннюю историю города.
Wally Dion представляет wherever the wind may blow, проект, в котором движение и погода становятся частью способа чтения работы. Это особенно важно для открытой площадки, окруженной небом и изменчивым воздухом над Tenth Avenue. Проект переносит геометрический визуальный язык художника в публичный контекст, гораздо более масштабный, чем его более интимные работы, выполненные из шитья и circuit boards.
Anicka Yi участвует в отборе с Pelagic Pod. Название вводит в Plinth язык морской жизни и дрейфующих биологических форм, а сама работа соотносится с более широким интересом художницы к спекулятивным организмам и системам, существующим вне строго человеческой перспективы. Подвешенный на фоне skyline, pod выглядит как форма жизни, пришедшая из другой среды и временно обосновавшаяся над городом.
High Line Art подчеркивает, что нынешний этап — это не голосование в буквальном смысле, а сбор письменных откликов. Посетители могут открыть страницу каждого проекта и ответить на вопросы о том, подходит ли работа для Plinth, соответствует ли Нью-Йорку и говорит ли о настоящем времени. Комментарии передадут кураторской команде High Line Art, которая будет формировать короткий список финалистов. Публичный рейтинг или итог подсчета голосов не определяют победителей напрямую. Обратная связь открыта до 8 сентября 2026 года, а shortlist ожидается осенью 2026 года.
Источник: Designboom
